Desenho de Representação

História do Desenho: Como Surgiu a Arte de Desenhar?

A história do desenho começou há milhares de anos, na pré-história. Nas cavernas estão gravados, até hoje, por meio de desenhos, os hábitos e experiências dos chamados “homens das cavernas”, que usavam as pinturas rupestres como forma de se expressar e comunicar, antes mesmo que existisse a linguagem verbal.

Ao longo dos séculos e do desenvolvimento das artes e das ciências, o desenho passou a ser utilizado cada vez mais de formas diferentes e para fins variados. Pode-se dizer que o desenho é um precursor da linguagem escrita, da fotografia, do cinema, e até mesmo das representações cartográficas.

A arte de desenhar acompanhou o homem durante todo seu desenvolvimento, fazendo parte de sua história: ilustrando templos sagrados e tumbas; relatando a vida cotidiana e até mesmo a vida após a morte, como vemos nos desenhos egípcios; representando os deuses mitológicos gregos e romanos; ou ainda, conduzindo navegantes por mares desconhecidos como durante os séculos XV e XVI e nos séculos posteriores.

Na pré-história o desenho surgiu como uma forma de as pessoas se comunicarem facilitando o desenvolvimento de uma linguagem falada e escrita.

Sampaio (2006) refere-se ao ato de desenhar como semelhante ao da escrita:

Os riscos, desde os mais suaves até os mais fortes, têm características semelhantes: trêmulos, sinuosos, sem destinos definidos. São traçados com a falta de força ao segurar o lápis, como se pedisse para que se guiassem por si só [...]. Segue um caminho ora imaginado, mas sem a presença de um traço rígido, ora ganhando um trajeto inesperado (SAMPAIO, 2003 apud SAMPAIO, 2006, p. 48).

É praticamente impossível de determinar se o homem aprendeu a desenhar antes de falar. A linguagem oral tem por característica justamente o fato de não deixar registros, diferentemente dos desenhos, que estão registrados nas paredes, como as pinturas rupestres. Mas é inegável que a expressão por meio de pinturas facilitou a comunicação para aqueles povos primitivos.

Foi na antiguidade que o desenho ganhou um status sagrado, especialmente no Egito, onde foi usado para decorar tumbas e templos.

Mesopotâmicos, Chineses e povos do continente Americano também desenvolveram seus próprios estilos de desenho, com significados próprios e que caracterizavam os hábitos e a cultura de cada população. Da mesma forma ocorreu na antiguidade clássica, quando gregos e romanos utilizaram o desenho para representar seus deuses mitológicos.

Valéry (2003) destacou o desaparecimento dos vestígios da criação na obra acabada:

Terminar uma obra consiste em fazer desaparecer tudo o que mostra ou sugere sua fabricação. O artista deve apenas, segundo essa condição ultrapassada, revelar-se por seu estilo, e deve manter seu esforço até que o trabalho tenha apagado as marcas do trabalho. Mas, como a preocupação com a pessoa e com o instante supera pouco a pouco a preocupação com a obra em si e com a duração, a condição de acabamento passou a parecer não só inútil e incômoda, como até mesmo contrária à verdade, à sensibilidade e à manifestação do gênio. A personalidade tornou-se essencial, até mesmo para o público. O esboço igualou-se ao quadro (VALÉRY, 2003, p. 37-38).

Composição de Elementos Estruturais

Antes de iniciarmos nossos desenhos, é muito importante avaliar as informações visuais e esboçar alguns desenhos iniciais do modelo desejado, além de compreender como se desenvolve as formas deste modelo e as variações tonais, buscando um arranjo equilibrado e, ainda, refletir sobre como o modelo deverá ser transmitido em seu desenho. Para desenvolver a composição é necessário aprender sobre os elementos estruturais.

Gozzer (2002) descreve sobre o início de seu processo de criação em desenho:

Esta figura desenhada é construída pela justaposição de linhas e linhas negras sobre um suporte branco. Há uma densidade matérica concentrada em certos momentos, alternada com zonas de maior leveza de linhas, ou com a presença de uma única linha, constituindo um processo pessoal de hachura (GOZZER, 2002, p. 44).

A organização estrutural representa a primeira etapa que o desenhista deve levar em consideração para a formatação do modelo, considerando seus limites e proporções.

A natureza é rica em formas e proporções que podem ser reproduzidas em simples linhas esquemáticas. Nosso primeiro ponto de partida é realizar um esboço, ou seja, criar, por meio de traços simples e genéricos, o desenho do modelo no papel e adotar linhas claras e suaves, criando uma delimitação das formas geométricas básicas. É possível iniciar com um esquema simples e ir explorando novos fragmentos estruturais, que a cada traço esboçado resultará em um desenho, aproximando-se da forma real que compõe o modelo.

Wong afirma que os elementos conceituais estruturais não existem fora do desenho:

Elementos conceituais não são visíveis. Não existem na realidade, porém parecem estar presentes. Por exemplo, se sentimos que há um ponto no ângulo de um formato, que há uma linha marcando o contorno de um objeto, que há planos envolvendo um volume e volume ocupando o espaço. Esses pontos, linhas, planos e 15 volumes não estão realmente lá; se estiverem realmente lá, deixam de ser conceituais (WONG, 2001, p. 42).

É possível desenvolver um elemento estrutural livre sem nenhum tipo de traçado geométrico.

Podemos iniciar diretamente na forma geral, esboçando e repetindo o processo até resultar na forma almejada, com espontaneidade e traçado rápido, buscando uma compreensão intensiva de composição e proporção.

Os traçados poderão ser repassados tantas vezes quanto se achar necessário, buscando um traçado livre e contínuo; nesta etapa não precisamos de linhas finas e elegantes.

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Desenho de Observação

O desenho da observação consiste em reproduzir de maneira mais realista um determinado assunto. Ele pode ser facilmente definido o como desenho ou pintura da realidade.

O desenho de observação pode se manifestar de diversas formas: natureza morta, o desenho de um modelo (figurativo), desenho de paisagens, de arquitetura, etc.

Segundo Gabriel Roig (2007) não é, de modo algum, uma questão de interpretação, de imaginação, de criação. É uma arte difícil, porque requer um certo domínio dos conceitos básicos de desenho, mas também um treinamento pessoal sobre como alguém usa os seus sentidos.

O artista pode, ainda, usar uma caneta esferográfica ou nanquim, assim como tintas ou aquarelas para colorir.

Geralmente o exercício de desenho de observação é muito importante para o seu aperfeiçoamento como desenhista ou artista plástico. A partir dos seus desenhos, você poderá comunicar ideias e demonstrar sua forma de interpretar o mundo. Nardin (2004, p. 205) “[...] defende que o desenho de observação é também desenho de memória, uma vez que ambos tratam da apreensão pessoal da realidade”.

Cada detalhe é importante: a maneira como você escolhe a composição, as cores que você irá usar, como exatamente você pode retratar o modelo a ser desenhado, como você trabalha elementos técnicos como luz, sombra e contrastes (ROIG, 2014).

Um retrato mais verdadeiro que a natureza, é possível? Foto ou desenho? A diferença é pequena e ainda é um desenho!

Quando olhamos um bom desenho de observação, chegamos a dizer: “É incrível, parece uma foto!”.

É imperativo trabalhar em seu desenho e dominar o gesto. Em um desenho de observação bem-sucedido, encontramos: a perspectiva, respeito pela proporção, texturas e materiais, sombras e luz, a finura das características e o cuidado dos detalhes.

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Desenhos de Memória

Para estas séries, foi pensado em desenhos também obtidos a partir da observação do real, como já foi dito, lidamos aqui com uma memória relativamente mais longa do que aquela utilizada nos desenhos anteriores. Se naqueles desenhos, as práticas de observar o modelo e desenhá-lo aconteciam alternada e imediatamente, os desenhos de memória só podem se diferenciar destes por um distanciamento espacial e temporal com relação ao referente.

Este distanciamento implica uma série de adaptações visuais, visto a impossibilidade de fixar a imagem em sua totalidade na memória. Esta fixação se dá no desenho, que se tornará público, ou seja, o outro vai ter acesso à imagem por meio da adaptação física e matérica que o artista faz das características visuais apreendidas.

Características estas, aproximadas do modelo, posto que foi interpretada por aquele que desenha, constituindo o resultado, em uma espécie de realidade própria (independente do modelo), no contexto da arte.

O processo de criação das formas por meio desta prática se deu, inicialmente, a partir da memória visual. Neste momento, o modelo deveria ser somente observado, procurando por meio da abstração, memorizar seus elementos primários, tais como as linhas. Estas linhas, que existem nos desenhos, não existem fora dele, pois são elementos conceituais, como afirmado por Wong:

Elementos conceituais não são visíveis. Não existem na realidade, porém parecem estar presentes. Por exemplo, se sentimos que há um ponto no ângulo de um formato, que há uma linha marcando o contorno de um objeto, que há planos envolvendo um volume e volume ocupando o espaço. Esses pontos, linhas, planos e volumes não estão realmente lá; se estiverem realmente lá, deixam de ser conceituais (WONG, 2001, p. 42).

O desenho de memória pode, nesse sentido, ser uma maneira de evitar formas estereotipadas ou aquelas rigidamente pré-estabelecidas, como as métricas de proporção e simetria, uma vez que, feitos indiretamente, podem gerar formas estilizadas mais ou menos “acidentais”, dadas pela liberdade de traço.